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心に残った音楽♪

おすすめCDの紹介のほか、本や映画の感想などを (*^ー゜)v

 

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書籍『旋律学』 エルンスト・トッホ著、武川寛海訳

Senritugaku_Tohho.jpg ヒンデミット『作曲の手引』以外の本で旋律論を述べた本では、こんなものもありました。トッホ著、その名もずばり『旋律学』!トッハは19~20世紀のオーストリアの作曲家で、戦争の時にナチから逃げて後にアメリカに亡命しています。旋律そのものの作曲法で1冊を費やした本って、僕はこの本しか知らないです。そして、すごく勉強になりました!

 クラシックをベースにした旋律の教科書ですが、ほとんど機能和声について書かれているので、普通の西洋ポピュラーやジャズでもまったく問題なく使えると思います。章の構成はこんな感じでした。

 1章:序説/2章:旋律の概念/3章:直線/4章:波状線/5章:旋律と律動の弾力性/6章:和声法の支配下にある旋律/7章:旋律構成手段としての非和声音/8章:連打と阻止・旋律の視点/9章:律動雑考

 かなり基礎的な事からセオリー化していました。例えば、「旋律にとっては音高よりも律動の方がはるかに重要」とか、「スケールを直線に登るときは主音から始めない」とか。こういう所から丁寧に書いてくれている所が素晴らしかったです。さらに、参考として引用されている実際の曲の多さも素晴らしいです!やっぱり実際のスコアを見せられると「ああ、なるほど」と思えていいですね(^^)。

 言われてみれば「なんだ、そりゃそうだよな」と思うかもしれませんが、基礎的な事をきちんとセオリー化できるかどうかが重要だと思うんですよね。例えば、「スケールを直線に登るときは主音から始めない」って、当たり前と言えばそれまでですが、知らない人にとっては金言のはず。僕だって、ジャズのアドリブの勉強をしてなかったら、これを当たり前だと思えたかどうか…。また、この本を読んで「あ、僕の作曲は音高ばかりに気をとられて律動が作曲できてないんだな」と思い知らされることにもなりました。マジで読んでよかったと思います。
 いずれの点にしても、知らない人は他の曲を分析し、何十曲と書く中で「主音から始めない方がいいんだな」と、相当な時間を使ってからそれぞれのセオリーにたどり着くと思うんですよ。セオリー化の大切さは、音楽以外のものも同じと思います。プロ野球を見ていても、セオリーを知らない監督や選手がかなりいて、セオリーを知っている選手が多いチームが明らかに強い事が観ているだけでも分かるので、どの世界のプロだってセオリーを言語化して押さえることが出来ているかどうかで雲泥の差だと思うんですよね。

 古い本なので、日本語訳がちょっと古めかしい事と(でも旧仮名遣いはなかったはず)、原文自体が例え話が多くて、例えられるとむしろ分かりにくくなってしまう所もありましたが、要点を抑えて読めば実はシンプル、しかも金言の宝庫!掲載されている楽譜を見ればさらに素晴らしい!「いいメロディが書けないなあ」という方、あるいは作曲をする方は、けっこうサクッと読める本ですので、ぜひご一読を。これも大推薦です!

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書籍『作曲の手引』 ヒンデミット著、下総皖一訳

Sakkyoku no Tebiki_hindemith 新古典主義の大作曲家のひとり、ヒンデミットの書いた作曲本です。音大生だった頃、作曲関係の本を見つけると、古楽だろうが対位法だろうが音列技法だろうが手当たり次第に読みまくっていました。そんな頃に大作曲家ヒンデミットが書いたこの本を発見!タイトルからはまったく想像がつきませんが、半音階法についても触れられている貴重な本です!

 大雑把にこの本の主旨を言うと、従来の7音音階だけではなく半音階法を視野に入れて和音を6種類に分類し、その6種類の和音の結合から音楽の組織、和声、旋律の作曲を再定義するというもの。少し難しいですが、この点さえ理解しておけば混乱しなくて済むんじゃないかと。あ、そうそう、巻末に「和音規定表」という一覧がついてるんですが、この表がついていることに気がつかないと意味がさっぱり分からないので注意(^^)。
 でもって、この本は上記の趣旨に沿う形で、6章に分けて書かれていました。1章が作曲論、2章は素材論、3章組織論、4章和声論、5章旋律論、6章は実際の楽曲の分析例です。

 僕が音大で習った和声法とは、音の眺め方がちょっと違うのが驚きでした。例えば転回の理解と、そこからくる和声判定の方法。例えば、長3度と短6度は転回すれば同じものですが、では和声においてどちらと取るべきか。これは機能和声に従った音ならルールの上にあるものなんでしょうが、そうでない音楽を構想した時に重要になると思うんですよ。ヒンデミットによれば、ここに聴覚上の原理のものさしを最初に作って、その結果「長3度のほうが第1音列的に優位であるから、長3度優位でとらえる」と結論するのです。うおお、すげえ!
 こんな感じで全体が素晴らしすぎるのですが、それが和声法や作曲全体だけでなく、旋律論にまで発展しているのがありがたかったです。旋律の作曲の教科書ってほとんどないので、それだけでもありがたかったし、その上この本の旋律論は「あ、なるほど」と思わされることが多くて、自分が作曲する時にものすごく役立ちました…ちょっと高度ですけどね(^^;)。教科書って読めば読むだけ有利になると思うんですよね(^^)。

 以上のように、あくまで機能和声法をベースにして、もう一歩踏み込んだ作曲の基準を示した本でした。なるほど、今考えてみれば、ロマン派がいっぱいいっぱいまで来たところで、新ウィーン楽派は無調や音列技法に向かったのに対してヒンデミットは新古典に向かったわけで、まさにヒンデミットの音楽観そのものな理論書いと感じました。
 西洋音楽を学んできたプレイヤーや独学作曲家が、どうやって作曲の勉強を進めていけばいいかは難しいところですが、僕なら機能和声法→その延長線上のジャズ→古典対位法→新古典(これ!)→音列技法→メシアン作曲法→セリー…みたいに進めていくと効率がいいんじゃないかと思います。つまりこの本は、近現代作曲法の入り口ではないかと。超がつくほどおすすめの本ですが、今は絶版になっていて、超高値がついてます(アマゾンで3万円!)。音楽之友社の本は、読みたいと思った時に買っておかないとこうなるんですよねえ。。


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書籍『ザ・コンテンポラリー・シンガー』 Anne Peckham

Contemporary Singer Anne Peckham(*この本、以前に感想を書いた事があるのですが、今回はもうちょっと真面目に読んだので、あらたに書き直す事にしました^^。)

 ひとつ前に紹介した本『コンテンポラリー・シンガーのためのヴォーカル・ワークアウト』の姉妹本で、バークリーで教えていたアン・ベッカムさんが作ったヴォーカル・メソッドの本です。2冊のうちでは、こっちを先に読むのが正しい順みたいです。『ヴォーカル・ワークアウト』の方は、この本の実践編、みたいな。
 この本はパート1と2に分かれていて、1が声の勉強、2がレッスンでした。自分にとって有用だった所だけメモしていこう!まずは、パート1から。

 チャプター2:呼吸のコントロール
1. 楽な体勢でまっすぐ立ち、胸を楽な高さに持ち上げる
2. ウエスト周りを持ち上げ、鼻と口から息を吸う
 *勉強になりました!僕は口メインで吸ってました^^;
3. ロングトーンを出し始めたら腹筋をわずかに引き締める
 *腹筋をちょっとしめるのか、何にもやってなかった…でも感覚が難しい^^;。これが「支えを作る」というヤツかな?
4. 歌いながら助骨が開いた状態を保つ
 *気道や口腔や鼻腔を開いたままキープしろという事かな?

 で、助骨が開いた状態のチェック方法は、ウエストに拳をあてて、肩があがらないように息を吸い込んで胸郭が広がるのを確認、それが正しい。
 他にも、腹筋の緊張の解放のエクサザイズとか色々載っていたので、呼吸法で疑問を感じたらこの本のここを見る事を覚えておこう、そうしよう(^^)。

 チャプター6:ディクション
 ディクションというのは、ちゃんとした言葉の形とその発声法みたいです。例えば、「あいうえお」がちゃんとした「あいうえお」の発音になってる、みたいな感じかな?これはまったく馬鹿に出来なくて、僕が教えなくちゃいけなかった歌手さんは「なにぬねの」がちゃんと言えないんです。さんざん苦労した挙句に分かったのは、ナ行を言う時に舌先を郊外の天井にあてて発音するから「ンの」みたいになってました。思うに、ポップス系でディクションが出来てない人って、有名な歌手でもけっこういますよね。
 この本はバークレーのメソッドなので英語の発音のポイントが書かれていましたが、要するに正しい発音を習得しろという事ですね。あ、そうそう、ディクションについては、チャプター10では、フォーマルな歌用のディクションを話し言葉に近づけるように、なんて書かれてました。

 つづいて、パート2は、スキルの習得。ヴォーカルの練習はのどを痛めるので、1日に1時間程度にとどめるんだそうです。なるほど~!で、特に僕にとって有用だった所を備忘録としてまとめておくと…

 チャプター7:実践
 まずは日課を作る事。おお、これが知りたかった!『コンテンポラリー・シンガーのためのヴォーカル・ワークアウト』と違って、少しだけ入れ替えてありました。こっちの方が実践的かな?
 1. ウォームアップ(ストレッチ、発声のウォームアップ):5~8分
 2. ヴォーカル・テクニック:10~20分
 3. 曲の練習:15~20分
 4. クールダウン:2~5分

 ウォームアップは(頭/首/肩/肋骨ストレッチ/前屈/チューイング)。発声ウォームアップは(スライド/リップトリル/ハミング)。ヴォーカル・テクニックは、3連符、16分音符、5度音程、レガート、母音の均等化、音域拡張など。

 チャプター9:アドバンスド・テクニック
 まずはヴィブラート…おお!目次に出てなかっただけで書いてあった!この本では「お化けだぞ~~」でヴィブラートの感覚を覚えて、それを力を入れないで出来るようにしていく、みたいな。え、それだと息が抜いて自然にかけるんじゃなくて、僕の場合は自分で声帯をふるわせに行っちゃうけどいいのかな…あ、でもきれいにかかった!色々やってみるもんですね(^^)。

 なるほど、ジャズでメソッド化されたものは、ポピュラー音楽系のヴォーカルではものすごく役立ちそうです。ポップスの初心者向けのものも読んだ事がありますが、すごい我流っぽかったり、先生自体がぜんぜんうまくなかったりしてね(^^;)。ジャズと書いてありますが、これはクラシック以外のポピュラーヴォーカル全般に使えそうです。こういう本って何冊も読んで本当の正解や自分の練習方法を導かないといけないんだと思いますが、間違いなくその中の1冊に加えて良いものだと思いました(^^)。


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書籍『コンテンポラリー・シンガーのためのヴォーカル・ワークアウト』 Anne Peckham

ContemporarySinger no tameno Vocal Workout ジャズ・ヴォーカルの女王のアルバムをたくさん聴いたところで、歌の勉強のために読んだ本のまとめ、ジャズ&ポピュラー編に突入!って、シリーズだったのか(^^;)。
 クラシックの声楽系の素晴らしい本『発声法の手引』は、呼吸法や発声法という基礎から、どうやって歌うのかという説明は完璧だったのですが、知りたい事がふたつ分かりませんでした。ひとつは具体的な練習方法(特に毎日の基礎練習の仕方)、もうひとつはヴィブラートのやり方でした。
 また、僕が指導しないといけなくなった歌い手さんはポップスの人だったので、クラシック系のメソッドである『発声法の手引き』でもいいんですけど、願わくばポピュラー系のちゃんとしたメソッドがあれば…となるとバークレーあたりのジャズ関連からという事になりそうですが、ポピュラー系のヴォーカルをきちんとメソッド化した本の中でビブラートについて書いてある本は、僕が探した本の中ではこれと、この姉妹本『ザ・コンテンポラリー・シンガー』が唯一。というわけで、ポピュラー系のヴォーカル・メソッドではこれが唯一の選択肢でした(^^)。
 この本はCDがついていて、基本的にそのCDを聴きながらの練習という体裁のものでした。本はパート1と2に分かれていて、1が基礎の確認、2が本編のワークアウト。基礎から学びたい僕は、当然パート1から(^^)。

(基礎練習)まず、ヴォーカルのルーティン練習はこんな感じらしいです。トータルで50分強。いやあ、こういうのを知りたかったんですよ!
 ・ウォームアップ:12分
 ・基礎ワークアウト:15分
 ・アドヴァンスのワークアウト:12分
 ・ハーモニーのエクササイズ:8分
 ・クールダウン:5分


(ニュートラルな姿勢)パート1では、まずは正しい姿勢が書いてありました。色々書いてありましたが、自分で勉強になったのは頭の位置。
 ・正しい頭の位置:耳、肩、腰、ひざ、足首が直線に来る。この位置は、頭をなるべく前方に出してみた時と、なるべく後ろに引いた時の中間ぐらい。

(ウォームアップ1:ストレッチ方法)
 1.背骨のストレッチ/2.肩のストレッチ/3.肩を回す

(ウォームアップ2:ヴォーカルウォームアップ)
 ・リップ/タング・トリル:あごを緩める&息を続ける練習
 ・声をスライドさせる:咽頭の筋肉をゆるめる
 ・ハミング(くちびるを閉じて歯を少しだけ開ける):共鳴の感覚を覚える
 ・あくびからのため息:口蓋を持ち上げて開いた音を作る
 ・あとは、スコアに合わせてロングトーン、スタッカート、アルペジオ、アイウエオ、ダイナミックの変化、声域を広げる、など。

(クールダウン)ウォームアップと同じ事をやる

(ヴィブラート)これが知りたかった!!!で、結論を言えば、ヴィブラートは何か特別な技巧を凝らして作るのではないみたいです。息がバランスよく支えられていて、のど、首、あごの筋肉が自由になっていると自然に起きるんだそうです。つまり、力が入ったらダメって事ですね、なるほど。。で、ヴィブラートのスピードと振幅はピッチやヴォリュームによって変化するんだそうです。つまり、どれぐらい抜けばヴィブラートが綺麗に掛かるかを覚えておいて、使いたいところでそういう抜き方をするという事かな?昔、とあるプロのジャズヴォーカリストさんに訊いたら、やっぱり「息を軽く抜くと自然にかかるもの」と教えてくれたことがあります。その人は「アタマの方から息を下ろすように抜くとよりきれいにかかる」なんて言ってました。どうやるんだろう(実践中‥)おお!!ヴィブラートが生まれて初めてきれいにかかった!たぶん、「アタマの方から息を下ろす」というのは、鼻腔にちゃんと息を通すという事なんだな。。でも、きれいにヴィブラートになる確率が低いので、練習してこの抜き加減をコントロール出来るようにするのが練習なんじゃないかと。で、好きなヴォーカリストの見事なヴィブラートを真似するのが練習法だとか。ちなみに、宇多田ヒカルみたいなギザギザのヴィブラートは「ちりめんヴィブラート」といってダメらしいですね。ポピュラーだとアニタ・オデイとかエラ・フィッツジェラルドとかを参考にするのが良いんだろうなあ。

(ベルティング)ベルティング自体がよく分かりませんでしたが、要するに大きな声で歌う事みたいです。で、これをやる時は首やあごの筋肉をリラックスさせてやらないとしわがれ声になったりして声帯を壊すので気をつけてね、みたいな。

 パート2は、CDを聴きながらの具体的なワークアウト。これがこの本の本当の価値だと思うんですが、取り急ぎヴォーカリストじゃない僕にはいらなかったです。でも、ヴォーカリストならひと通りやってみて損はないのかも。

 というわけで、個人的にはウォームアップ/クールダウンののやり方とヴィブラートを学習できたところがとんでもない収穫!西洋のポピュラー・ヴォーカルをやりたい人なら、確実に目を通しておきたいメソッドじゃないかと!


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書籍『芸術歌唱のための発声法』 エミー・ジットナー

GeijyutuKashou no tameno Hasseihou 僕が歌い手さんへのアドバイスのために読んでみた本の中で一番高度なものが、これと『うまく歌えるからだのつかいかた』でした。たぶん、すごく良い本なんだろうと思います。ただ、この本は本格的に声楽を学んでいる人(しかも恐らく中級以上)のための本だったので、僕みたいな初心者にはハードルが高いかも。でも、声楽のレッスンってこんな感じなんだろうな、というのを垣間見れただけでも貴重な経験でした。

 著者のエミー・ジットナーさんという方ですが、昔の音楽教師みたいに、けっこう癖が強いです。例えば、最初に語られているのは人間形成についてですし、「そうする事で宇宙に開かれる」みたいな表現も…こういう音楽教師の方って、僕も人生で何人も出会いましたが、先生が伝えようとしている事を理解するのが本当に難しかった。。でも、若い人がこういうのを「不思議ちゃんだな」と馬鹿にして読むのをやめちゃったらそこでオシマイ、だから先生が本当にただの不思議ちゃんなのか、それとも本当に素晴らしい人なのかを見極めたうえで、後者なら何とか理解しないといけない。この本を読む人って、きっと声楽で何らかの行き詰まりを覚えた人が読むのだろうから、先生がどういう事を言いたいのかを理解しようとする姿勢や能力が問われるんじゃないかな(^^;)。
 こういう感覚的というか主観的な表現になってしまうのって、身体技術的なものではどうしても仕方がないと思うんですよね。たとえば「横隔膜を下げる」とか「鼻腔を広く保つ」といっても、どちらも目に見えるものではないので、体性感覚としてどんなイメージや感触なのかを伝えるしかない、みたいな。あくまで僕の印象ですが、この人がイメージして使ってる言葉って、実際にそれを出来た人の言葉なんだろうな、とは感じました。

 で、本題。この本、声楽のいろんな発声に対してかなり具体的な対処を書いているんですが、ベースには「自然な体勢で」とか「力を抜いて」とか、あくまで基礎がメインになっているように感じました。それを守った上で、それぞれの対処について書いてある、みたいな。
 で、それぞれの指導ですが、ムチャクチャ実践的です。たとえば、コロラトゥーラは「初めの音は十分に保つ」、「コロラトゥーラが続いている間は口の構えはずっと同じ」とか。僕は声楽のシロウトなのでぜんぜん知らないんですが、「へえ」って思いました。こういうのって、うまくできないで悩んでいる実際のプレイヤーにはものすごいヒントになると思うんですよね。声楽じゃないけど、僕はピアノでそういう体験を何度も何度もしたので、なんとなく分かる気がします。
 で、具体的な指導は、「高い位置による発声法」、「声の矯正」、「母音を均質化する訓練」、「頭部共鳴腔を広げる練習」、「フラジオを得る練習」、「高音を得るための練習」、「コロラトゥーラのための練習法」など。ね?初心者やポピュラーではちょっと高度すぎるでしょ?でも、クラシックの声楽家にとってはまさにここ!ってところのアドバイスなのかも。そして、すごく実践的なアドバイスだらけでした。しかも、アドバイスは実践的だけど我流じゃなくて、ちゃんと科学的なものと参照しながら「科学的にはこうらしいけど、イメージとしてはこんな感じで…」みたいになってるのが素晴らしかったです。

 エミー・ジットナーさんという方は、ウィーン国立音大などでも教鞭をとっていた優秀な指導者らしいし、この本も海外では名著と言われているんだそうです。声楽家じゃない僕が評価出来るようなレベルにはない高度な内容でしたが、クラシックの歌手で何か悩んでいる人には、読んでみると大きなヒントになるかもしれない本なんだろうな、と思いました。いやあ、まじで高度だった(^^;)>。。


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プロフィール

Bach Bach

Author:Bach Bach
神戸住まい、奥さんとネコと暮らす音楽好きです。音大は卒業したのですが、成績はトホホ状態でした(*゚ー゚)

ずっとつきあってきたCDやビデオの備忘録をつけようと思い、ブログをはじめてみました。趣味で書いている程度ですが、いい音楽、いい映画、いい本などを探している方の参考にでもなれば、大変嬉しく思います(ノ^-^)ノ

最近気になってるCDとか本とか映画とか
intoxicateに載っていた1枚。「Vyacheslav Artyomov」、ロシアの作曲家は名前が読めなくってムズカシイ。。「ヴャチェスラーフ・アルチョーモフ」と読むらしいです。伝説の「フレンニコフの7人」のひとりとの事ですが、それって何かすら僕は知らず(^^;)。作風的には初期は新古典的、後に民族的な様式、十二音技法や、複調性、ミニマルなんかも用いたみたい。ロシアの前衛は強烈なものが多いので、聴いてみたいです。アマゾンで買おうと思ったらダウンロード版しかなかった(;_;)。 オスマン時代から現代までのトルコ音楽のガイド本みたいです。おおお~、これは絶対に読もう!!
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