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心に残った音楽♪

おすすめCDの紹介のほか、本や映画の感想などを (*^ー゜)v

 

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書籍『一台の黒いピアノ… 未完の回想』 バルバラ著、小沢君江訳

Ichidai no Kuroi Piano_Barbara シャンソン歌手バルバラが残した未完の自伝です。歌が歌えなくなり、どこかで余命を感じ、出版社と約束したんですが、書いている途中で自宅でひとり寂しく死んでしまったそうです(・_・、)。この本、シャンソンが好きな人なら読まないわけにはいかない1冊じゃないかと。衝撃の内容でした。

 とにかく壮観だったのは、歌手になってやっていけるようになるまで。バルバラはユダヤ人なので、第2次世界大戦だった幼少時の生活の厳しさが凄かったです。電車が途中で止まって、ナチの検問にあって、バルバラを含めた乗客は4日間電車の中で過ごした、とか。これが本当に現代の話なのか。戦争だけはやっちゃいけないと思うなあ。
 そして、10歳のときから数年続いた父親との近親相姦。これが彼女の一生を支配するほどのトラウマになっていたのが、この自伝にもにじみ出ているようでした。
 歌を始めてからも、食えずに街角で娼婦をしようとしたり、チンピラに国境を越えてパリに連れ帰って貰ったり、もうギリギリの生活。食えない時のダンサーやミュージシャンや役者って、どこの国もこんな感じなんだな、みたいな。才能があっても自殺しちゃう人が何人もいたり。

 こういう体験がことごとく歌になっていくんですね。創作ではなく、自分の体験を歌にするんですね。なるほど、彼女作った歌は心にズドンと来るものが多かったですが、なるほど実体験を語られればそりゃリアルだわ。。この自伝、けっこう淡々と書かれてるんですが、バルバラの書いた名曲が生まれたエピソードが書かれてる事が多いので、バルバラを聴いた事のある人だと面白さは倍増かも。それにしても、最後の方に完成させられなかった文章の断片が悲しい…。

 60年代以降の英米のポップス以降、大衆音楽は若者向け一辺倒になってしまいましたが、シャンソンのようなアダルトで知的な歌がどういう風に生まれたのかを知るにはもってこいの本でした!読みやすい本だし、まるで映画を観ているようで面白くもあるので、ぜひ一読をお勧めします!


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書籍『音楽家のためのアレクサンダー・テクニーク入門』 ペドロ・デ・アルカンタラ

Ongakuka no tameno Alexander Technique 楽器がなかなかうまくならない人必読、これは救いの1冊になるかも?!あの有名なアレクサンダー・テクニークを楽器演奏者むけに分かりやすく書いた本です。ただし、「わかりやすく」といったって400ページ超の本格的な本ですし、身体性を伴うものですので読解力や物を把握する能力がけっこう要求されると思いますが、難しい言葉は出てこないので、気合いがあれば読めます!

 F.M.アレクサンダーという舞台俳優が作ったアレクサンダー・テクニークは、演奏家にとっては、正しい運動の仕方に関する技術という所じゃないかと思います。僕はAテクニークの講師からレッスンを受けた事はないのですが、この本を読んだ僕の解釈としては、こんな感じのソマティクスじゃないかと思いました。

 まず、運動の基本は、運動以前の運動指令などを含む自己の使い方にあって、特にプライマリー・コントロールが重要。プライマリー・コントロールを中心として運動を起こすのがもっとも理想的な運動となるが、エンド・ゲイニング(結果を気にする事)によって体の使い方や運動にミスユースが起きる。これがいつまでたっても運動がうまくいかない原因。これを修正するには、ミーンズ・ウェアバイ(最良の方法を発見して用いる事)をしなければならないが、その為にはまずは誤って身についてしまった運動や体の使い方をインヒビション(抑制)しなければならない。その上で、まずはプライマリー・コントロールの仕方を身につけ、次に個々の運動の正しい方法へのアプローチをしていく。これは僕の要約なので、誤解している所があるかも知れませんので、興味を持った方がいたら、ご自身でこの本を読んでみてくださいね(^^)。

 ところでプライマリー・コントロールとは何かというと、頭・首・肩あたりの中枢神経系が集まっているあたりによる姿勢や運動のコントロールすることだそうです。この本の説明では、運動には①中枢で重心の移動を起こす全体的な運動パターン(トータル・パターン)と、②その体勢を具体的な運動にする部分パターン(反射)の2つがあるんだそうです。というわけで、運動はトータル・パターンが先行しているもので、これをコントロールするのがプライマリー・コントロール…と僕は解釈しましたが、読解力に自信がないので、興味があったら直接読んでみてください(^^)。

 まあこんな感じで、第1部はAテクニークによる運動の基本原則の説明、第2部は抑制や呼吸や腕の使い方などのレッスン、第3部はAテクニークの演奏への応用、という形で書かれていました。

 でもこういうものって、ヨガなんかもそうですが、時として怪しいスピリチャル方面に行ってしまうというか、エセ科学的な方向に行ってしまいがちになるじゃないですか。証明するのが難しい所を扱うから、そうなるのかも知れません。この本、本当に素晴らしいと思ってるんですが、運動指令に関するところは経験主義というか推測に基づいてしまってるというか、けっこう危ういなと思いました。運動指令の解剖学的な裏付けは、僕が読んだ音楽系の本だと『音楽の原理』にかなり詳しい図解が出ていたので、そっちも併せて読んだ方がいいかも。

 アレクサンダー・テクニーク、僕が音大生だった頃には既に名を知られていました。僕は実際のレッスンに接した事はありませんでしたが、「あれはいい」なんて話をチラホラ耳にしてました。これは良書!楽器の練習を5年も10年もちゃんと続けているのに、上達が出来ない人には救いの一冊になるかもしれません。超オススメです!!


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書籍『うまく歌える「からだ」のつかいかた ソマティクスから導いた新声楽教本』 川合弘子

UmakuUtaeruKarada no Tsukaikata ヴォーカリストさんにアドバイスをするために発声法関係の本をたくさん読みふけった事があります。クラシックでもジャズでも、どの本もだいたい同じような事が書かれていたのですが、この本はまったく違ったアプローチで書かれていました。古典的なアプローチじゃなくて、コーチングやアレクサンダー・テクニークのような比較的新しいソマティクスの知識を含めたアプローチから書かれた声楽教本だったのです。これが素晴らしかった!条件つきかも知れませんが、これはまじめに声楽を学んできた人には救いの一冊になるのかも知れないと思いました。

 レビューの前に、さっき「条件つき」と書いた理由を先に述べておきます。この本、声楽の指導をある程度受けてきた人向けに書かれているので、初心者や我流でやってきた人には向いてないと思います。例えば、「お尻を締めて歌えと言われる事の理由は…」「軟口蓋を上に引っ張るという言われる理由は…」みたいな説明がよく出てくるのですが、そもそもそういう指導を受けた経験のない人には、これらの説明は早すぎるかも。というわけで、この本は「きちんと声楽を学んだ経験のある人向け」になると思います。その前提で…

 この本を要約すると、ソマティクスという分野から発声を見つめ直して、これまでに指導されてきた発声指導の根拠を科学的に把握する、みたいな感じでした…僕の理解が正しければの話ですが(^^;)>。ソマティクスとは、自分の体を自分でどう感じるかという学問分野だそうで、有名なアレクサンダー・テクニークなんかもこの中に入るみたいです。で、声楽教師の指導や上手い人の真似をするというより、その方法論は学ぶけど結果として出てくるものは自分の身体次第なので自分の体に訊いて、自分の正しいやり方でやる、みたいな。ここは自己流でいいというのと意味が違う事は注意しとかないと変な方向にいっちゃいそうですが、そこを踏まえればとても素晴らしそう。

 第1章では、この理屈をまず説明して、次に声楽でよく指導されるけど、それってどういうことなのかを勘違いしないように説明(例えば、「喉を使わないで歌う」とか「声をあてる」とか「声を集める」などの指導が、いったい何を目指したものなのかを説明する感じ)されていました。

 第2章は、そうした発声の時に使う筋肉を、かなりリアルな解剖図を使って説明し(今回、いっぱい声楽関係の本を読みましたが、リアルな解剖図を使ってあったのはこの本が唯一でした)、その筋肉の正確な位置やそのコントロールの仕方を知るようにできていました。いやあ、この第2章は素晴らしい。
 どう素晴らしいかというと…例えば、歌と言えば何はともあれ腹式呼吸、横隔膜のコントロールですが、この正確な解剖図を僕は見たことがありませんでした。簡易的なものはいっぱい見てきましたけど。で、正確な解剖図を見ると…えええ=、こんなに大きく広い範囲にあるの?!なるほど、「横隔膜をコントロールする」と言ったって、その正確な位置を知らないと話にならないし、またその場所を自分で意識できていないとコントロールするも何もないだろ、とたしかに思えます。もうこの時点で、この本は買いです。

 第3章は、ソマティクスに基づいていると思われる身体メソッドの紹介。紹介されていたのは、アレクサンダー・テクニーク、コナブルのボディ・マッピング、フェルデンクライス・メソッド、ロルフィング、野口整体などでした。いずれも概要の紹介で、「これは良さそうだな」と思ったら、それぞれの専門書を読むなり、ワークショップに参加するなりする感じかでしょうか。自分にとって良かったものだけを備忘録として書き残しておくと…
 「アレクサンダー・テクニーク」は、この本に書かれている事をザックリいえば、しない事を学ぶ、みたいな。ある運動をする時に勝手に余計な事をしてしまってる事があって、それが運動を妨げているので、しない事を学ぶ。練習するほどできなくなっていくことがあるのはそのためだ、みたいな感じ。アレクサンダー・テクニークって「しない」それだけではあんまり意味がなくて、プライマリー・コントロールを身につけるという事なんだと思いますが、それは書いてありませんでした。アレクサンダー・テクニークに関しては、そのへんをもう少しちゃんと書いた本を読んだ事があるので、いずれまた感想を書ければと思います。
 「コナブルのボディ・マッピング」。人間は自分の身体の位置を意外と誤解してる、みたいな事かな?たとえば、肘が思うように動かない人が、実際のひじ関節とは5cmずれたところを動かそうとしていた、みたいな。

 4章と5章は、トレーニング法やエクササイズの紹介。ここは「こういうのもあるよ」みたいな説明で、ルーティンワークを組んでくれているわけではないので、取り入れるかどうかは自分で判断して、自分でルーティンワークを作っていく感じかな?

 というわけで、僕的には1~3章は必読、特に2章は素晴らしかったです。歌をやるなら、いずれは絶対に買わないとダメな本じゃないでしょうか。図書館で借りて済ませようなんて、これだけたくさんある筋肉を覚えるなんて無理、つねに横に置いておいて、ことあるごとにちゃんと見て、自分の身体を意識して…みたいにやる事で、音大や教師からの指導で行き詰った人の問題を解決する、みたいな本じゃないかと。良い本でした!


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書籍『旋律学』 エルンスト・トッホ著、武川寛海訳

Senritugaku_Tohho.jpg ヒンデミット『作曲の手引』以外の本で旋律論を述べた本では、こんなものもありました。トッホ著、その名もずばり『旋律学』!トッハは19~20世紀のオーストリアの作曲家で、戦争の時にナチから逃げて後にアメリカに亡命しています。旋律そのものの作曲法で1冊を費やした本って、僕はこの本しか知らないです。そして、すごく勉強になりました!

 クラシックをベースにした旋律の教科書ですが、ほとんど機能和声について書かれているので、普通の西洋ポピュラーやジャズでもまったく問題なく使えると思います。章の構成はこんな感じでした。

 1章:序説/2章:旋律の概念/3章:直線/4章:波状線/5章:旋律と律動の弾力性/6章:和声法の支配下にある旋律/7章:旋律構成手段としての非和声音/8章:連打と阻止・旋律の視点/9章:律動雑考

 かなり基礎的な事からセオリー化していました。例えば、「旋律にとっては音高よりも律動の方がはるかに重要」とか、「スケールを直線に登るときは主音から始めない」とか。こういう所から丁寧に書いてくれている所が素晴らしかったです。さらに、参考として引用されている実際の曲の多さも素晴らしいです!やっぱり実際のスコアを見せられると「ああ、なるほど」と思えていいですね(^^)。

 言われてみれば「なんだ、そりゃそうだよな」と思うかもしれませんが、基礎的な事をきちんとセオリー化できるかどうかが重要だと思うんですよね。例えば、「スケールを直線に登るときは主音から始めない」って、当たり前と言えばそれまでですが、知らない人にとっては金言のはず。僕だって、ジャズのアドリブの勉強をしてなかったら、これを当たり前だと思えたかどうか…。また、この本を読んで「あ、僕の作曲は音高ばかりに気をとられて律動が作曲できてないんだな」と思い知らされることにもなりました。マジで読んでよかったと思います。
 いずれの点にしても、知らない人は他の曲を分析し、何十曲と書く中で「主音から始めない方がいいんだな」と、相当な時間を使ってからそれぞれのセオリーにたどり着くと思うんですよ。セオリー化の大切さは、音楽以外のものも同じと思います。プロ野球を見ていても、セオリーを知らない監督や選手がかなりいて、セオリーを知っている選手が多いチームが明らかに強い事が観ているだけでも分かるので、どの世界のプロだってセオリーを言語化して押さえることが出来ているかどうかで雲泥の差だと思うんですよね。

 古い本なので、日本語訳がちょっと古めかしい事と(でも旧仮名遣いはなかったはず)、原文自体が例え話が多くて、例えられるとむしろ分かりにくくなってしまう所もありましたが、要点を抑えて読めば実はシンプル、しかも金言の宝庫!掲載されている楽譜を見ればさらに素晴らしい!「いいメロディが書けないなあ」という方、あるいは作曲をする方は、けっこうサクッと読める本ですので、ぜひご一読を。これも大推薦です!

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書籍『作曲の手引』 ヒンデミット著、下総皖一訳

Sakkyoku no Tebiki_hindemith 新古典主義の大作曲家のひとり、ヒンデミットの書いた作曲本です。音大生だった頃、作曲関係の本を見つけると、古楽だろうが対位法だろうが音列技法だろうが手当たり次第に読みまくっていました。そんな頃に大作曲家ヒンデミットが書いたこの本を発見!タイトルからはまったく想像がつきませんが、半音階法についても触れられている貴重な本です!

 大雑把にこの本の主旨を言うと、従来の7音音階だけではなく半音階法を視野に入れて和音を6種類に分類し、その6種類の和音の結合から音楽の組織、和声、旋律の作曲を再定義するというもの。少し難しいですが、この点さえ理解しておけば混乱しなくて済むんじゃないかと。あ、そうそう、巻末に「和音規定表」という一覧がついてるんですが、この表がついていることに気がつかないと意味がさっぱり分からないので注意(^^)。
 でもって、この本は上記の趣旨に沿う形で、6章に分けて書かれていました。1章が作曲論、2章は素材論、3章組織論、4章和声論、5章旋律論、6章は実際の楽曲の分析例です。

 僕が音大で習った和声法とは、音の眺め方がちょっと違うのが驚きでした。例えば転回の理解と、そこからくる和声判定の方法。例えば、長3度と短6度は転回すれば同じものですが、では和声においてどちらと取るべきか。これは機能和声に従った音ならルールの上にあるものなんでしょうが、そうでない音楽を構想した時に重要になると思うんですよ。ヒンデミットによれば、ここに聴覚上の原理のものさしを最初に作って、その結果「長3度のほうが第1音列的に優位であるから、長3度優位でとらえる」と結論するのです。うおお、すげえ!
 こんな感じで全体が素晴らしすぎるのですが、それが和声法や作曲全体だけでなく、旋律論にまで発展しているのがありがたかったです。旋律の作曲の教科書ってほとんどないので、それだけでもありがたかったし、その上この本の旋律論は「あ、なるほど」と思わされることが多くて、自分が作曲する時にものすごく役立ちました…ちょっと高度ですけどね(^^;)。教科書って読めば読むだけ有利になると思うんですよね(^^)。

 以上のように、あくまで機能和声法をベースにして、もう一歩踏み込んだ作曲の基準を示した本でした。なるほど、今考えてみれば、ロマン派がいっぱいいっぱいまで来たところで、新ウィーン楽派は無調や音列技法に向かったのに対してヒンデミットは新古典に向かったわけで、まさにヒンデミットの音楽観そのものな理論書いと感じました。
 西洋音楽を学んできたプレイヤーや独学作曲家が、どうやって作曲の勉強を進めていけばいいかは難しいところですが、僕なら機能和声法→その延長線上のジャズ→古典対位法→新古典(これ!)→音列技法→メシアン作曲法→セリー…みたいに進めていくと効率がいいんじゃないかと思います。つまりこの本は、近現代作曲法の入り口ではないかと。超がつくほどおすすめの本ですが、今は絶版になっていて、超高値がついてます(アマゾンで3万円!)。音楽之友社の本は、読みたいと思った時に買っておかないとこうなるんですよねえ。。


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プロフィール

Bach Bach

Author:Bach Bach
神戸住まい、奥さんとネコと暮らす音楽好きです。音大は卒業したのですが、成績はトホホ状態でした(*゚ー゚)

ずっとつきあってきたCDやビデオの備忘録をつけようと思い、ブログをはじめてみました。趣味で書いている程度ですが、いい音楽、いい映画、いい本などを探している方の参考にでもなれば、大変嬉しく思います(ノ^-^)ノ

最近気になってるCDとか本とか映画とか
intoxicateに載っていた1枚。「Vyacheslav Artyomov」、ロシアの作曲家は名前が読めなくってムズカシイ。。「ヴャチェスラーフ・アルチョーモフ」と読むらしいです。伝説の「フレンニコフの7人」のひとりとの事ですが、それって何かすら僕は知らず(^^;)。作風的には初期は新古典的、後に民族的な様式、十二音技法や、複調性、ミニマルなんかも用いたみたい。ロシアの前衛は強烈なものが多いので、聴いてみたいです。アマゾンで買おうと思ったらダウンロード版しかなかった(;_;)。 オスマン時代から現代までのトルコ音楽のガイド本みたいです。おおお~、これは絶対に読もう!!
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