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心に残った音楽♪

おすすめCDの紹介のほか、本や映画の感想などを (*^ー゜)v

 

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『プッチーニ:歌劇《トゥーランドット》全曲 マリア・カラス(sop)、セラフィン指揮、ミラノスカラ座管弦楽団・合唱団』

Puccini_Turandot_MariaCalas.jpg 「蝶々夫人」、話は有名かも知れませんが、「ある晴れた日に」以外の音楽を知っている人は少ないかも。そういう意味でいうと、プッチーニの音楽でいちばん聴かれているのは「トゥーランドット」の気がします。荒川静香さんや浅田真央ちゃんあたりから、日本のフィギュアスケートは世界トップクラスになりましたが、フィギュアスケートを観ているとしょっちゅうトゥーランドットが流れてます。日本人だと、荒川さんや真央ちゃんのほかにも宇野昌磨くんもトゥーランドットを使ってたのを聴いたことがあります。
 「トゥーランドット」も、「蝶々夫人」ほどでないにせよ少しだけオリエンタリズムを感じる音楽でした。というのは、このオペラ、「千夜一夜物語」を題材にした「千一日物語」が題材になっていて、舞台が北京の紫禁城なんでですね。この紫禁城の三人の大臣の名前がピン・ポン・パンなんですが、それを知った時に、幼少期の謎が解けた気がしました(^^)。さて、ピンポンパン…じゃなかったトゥーランドットのストーリーは…

 絶世の美女トゥーランドット姫に求婚する男には、3つの謎が与えられれる。解けない場合は処刑。ものすごく期待が膨らみますが、3つの謎というのは人類の英知にまつわる謎の剣とかそういうのじゃなくって、なぞなぞ(^^;)。トゥーランドットの美貌に目のくらんだ放浪のカラフ王子は、このなぞなぞを難なくクリア。どうだコラァ!
 ところが、単に男に恨みを抱いて無理難題を吹っかけていただけの姫は、結婚したくないと駄々をこねます。これだから甘やかされて育ったわがまま女は困るよ。どう見てもヒモ狙いの詐欺師みたいな男に執着するどっかの皇族もいるしね。しかしここでカラフ王子、「じゃ、もしあしたの夜明けまでに俺の名が分かれば、俺は死んであげる」と提案…意味が分かりません。でも20世紀初頭のヨーロッパって、道端で本当に決闘が行われていた世界ですからね、こういう話も不条理には感じなかったのかも。
 話の山場はここから。王子の名を知る女リューが捕まります。しかし彼女は口を閉ざし、王子を守るために自死を選びます(T_T)。ああ、リュー…本当にいい女というのは、わがまま放題で見た目だけ着飾ったセレブなんかじゃなくって、こういう人だよ。王子は姫にキスをし、自分の名を彼女に告げます。ここでトゥーランドットは王子の名を知るわけですが、リューの死を知って彼女の心は動き、翌日に彼女は王子の名を知っているにもかかわらず、「彼の名は愛です」と告げて大団円。

 フィギュアスケートで死ぬほど愛用されている曲「誰も寝てはならぬ!」は、王子の名を知るため、トゥーランドットが「今夜は誰も寝てはならぬ。彼の名を探し出すのだ、探せなければみな死刑だ」と勅令を出した後で、王子が心情を告白するシーンの曲です。このCDではエウジェニオ・フェルナンディが歌いますが、これが素晴らしい名唱!「姫よ、あなたもまた、あなたの冷たい部屋の中で愛と望みに震えている。私の秘密は私の胸の中に秘められている。朝日が昇った時、私はあなたの唇にそれを告げるだろう。そして私の口づけはあなたを私のものとし、沈黙を破るだろう。」
 僕は、この台本には同意できないところがあるもんで、話は好きじゃないです。「むやみやたらと死刑を申し渡す姫なんか好きになるなよ、顔が良ければ何でもいいのか?」とか、「自分を守るために自刃した女の前で、のうのうとキスしてんじゃねえよ」とかね^^;。持てる者の傲慢ばかり感じるんですよね。でもやっぱり、物語が劇的に高揚する第2幕での「誰も寝てはならぬ」は、さすがにグッときました。フィギュアスケートで聴いてもなんとも思わないんですが(むしろこんな曲選ぶなんてセンスねえなとすら思ったり^^;)、ところがオペラで物語を追いながら聴くと、悔しいけどちょっと心が震えます。僕は、音楽の評価を、音そのものじゃない話とかストーリーで上げたり下げたりするのは違うと思ってるんですが、でも実際こうやって聴こえ方が違ってくる事もあるんですよね。

 僕にとってのプッチーニ初体験は、このCDでした。のちに聴いた「蝶々夫人」の音楽とは大違いで、けっこうオーソドックスな機能和声音楽。そこにちょっとだけオリエンタリズムが入っているので、近いイメージでいえば「アラビアのロレンス」や「ラスト・エンペラー」みたいなスペクタクル映画の劇音楽みたいです。和声的には蝶々夫人の方がモダンなので、「トゥーランドット」の方が古いのかと思いきや、トゥーランドットは1924年の作品で、プッチーニの遺作なんですね。作曲途中にプッチーニが他界してしまったので、未完部分をプッチーニの弟子が書いたんだそうです。
 このCD、録音が1957年と古いわりに、音がけっこういいです。マリア・カラスとセラフィン/ミラノ・スカラ座管弦楽団の作品では、ヴェルディ「リゴレット」を聴いた事がありましたが、そっちは音がボケボケ、でもこっちは歌手の声もオケの音もしっかり聴こえます。個人的には王子カラフ役のエウジェニオ・フェルナンディのテノールが素晴らしくて、なかなか気に入っています。あ、もちろんカラスも素晴らしいです、ちょっと出番少ない気もするし、わがままでイヤな女の役だけど(^^;)。


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『プッチーニ:歌劇《蝶々夫人》全曲 パヴァロッティ(tenor)、フレーニ(sop)、カラヤン指揮ウィーンフィル』

Puccini_chouchouFujin_Karajan WienPhil 19世紀から20世紀初頭に全盛をむかえたイタリア・オペラの作曲家といえばヴェルディプッチーニヴェルディの方が先だし、イタリア・オペラを世界的に有名にしたので圧倒的に有名かと思いますが、音楽的にはプッチーニの方がかなり高度に感じます。プッチーニの頃にはフランクドビュッシーも登場してますし、和声がかなり進化してすごいのです^^。そして、聴く前は「なんだかんだ言っても芝居音楽。しかも享楽的なイタリアだし、題材もあれだし」と思ってたのに、この「蝶々夫人」には序曲を聴いただけでノックアウトされてしまったのでした。和声も書法も一気に豊かになった時代を反映した見事なスコア、パヴァロッティやフレーにセンターに据えたカラヤン&ウィーン・フィルの演奏の素晴らしさ、そして録音がめっちゃくちゃいい!!いやあ、欠点がないなんてものじゃなくて、いい所しかないCD、これはすごかったです。

 蝶々夫人を聴いてまっ先に耳に飛び込んできたのは、ある意味で印象派的な豊かな和声と、音も台本も含めて感じるオリエンタリズムという志向でした。どちらも当時のヨーロッパ文化の傾向のひとつですが、自文化を常に優位に、そして中心に考えるヨーロッパが、好奇心からの異国情緒であったにせよ外に向かって目を開いたのは、西洋音楽の大進歩だったんじゃないかと。違う文化から素晴らしいものがドバっと入ってきて、それを自国文化と融合して、新しいだけじゃなくていいものがどんどん出てきた時代なんですよね。新しい試みだらけなので、模倣に陥らずにそれぞれの作曲家が創意工夫を凝らし、次第に創造的な作品を作ることが必然的になっていく、みたいな(^^)。

 1904年という制作年が、なによりこの豊饒な音楽を作りだす背景にあったんじゃないかと。ドビュッシーの「版画」「海」も、シェーンベルクの「ペレアスとメリザンド」も、スクリャービンの神秘和声も、ちょうどこれぐらいの年でしたよね。スペイン音楽の大流行も、印象派音楽も、現在に繋がる新しい和声も、ヨーロッパで次々に生まれていた時代です。ロックにとっての1966~1972年、ジャズにとっての1948~1967年みたいなもので、クラシックの1890~1920年は特別と感じます。100年たっていまだにクラシック最高傑作と僕が感じるものがこの時代と2次大戦後に集中していると感じるもんで、もしかしてジャズもロックも100年たっても「1950-60年代だよな」とか「66年から72年だよな」とか言われるようになるのかも。いやあ、これはスコアも演奏も録音も文句なしの凄すぎるCD、素晴らしかったです!!そういえばカラヤンって昔マリア・カラスとも蝶々夫人を録音してますが、そっちも聴きたくなってしまいました…でも時間も金も限界があるからなあ(^^;)。。


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『バルトーク:室内楽作品集Vol.2 シフ(pf)、モントゼー音楽週間アンサンブル』

Bartok_SitunaigakuSakuhinshuu2_Schiff.jpg バルトークの室内楽曲を3曲集めたCDです。音楽監督はピアノのアンドラーシュ・シフで、シフが主宰した音楽祭「モントゼー音楽週間」での録音でした。とはいえこれはライブ録音ではないみたいで、音楽祭のためのリハを録音したのかな?演奏は、その音楽祭のために結成されたモントゼー音楽週間アンサンブル、1993年録音です。収録されている曲は、ヴァイオリン・ソナタ第2番(Sonata No.2 for violin & piano)、ヴァイオリン・クラリネット・ピアノのためのコントラスツ(Contrasts for violin, clarinet & piano)、無伴奏ヴァイオリン・ソナタ(Sonata for solo violin)の3曲でした。この曲の並びは、制作年順ですね。

 ヴァイオリン・ソナタ第2番は1922年に書かれた曲です。ややこしいのでまとめておくと、バルトークはヴァイオリン・ソナタを4曲書いていて、最初に書いたのは習作期に書き上げたヴァイオリン・ソナタ。次がヴァイオリン・ソナタ第1番と第2番、そして最後に書いたのが無伴奏ヴァイオリン・ソナタです。僕がこのCDを聴いたのはこの第2番のためで、あるヴァイオリニストさんが「この曲をやりたい」とこの曲を持ってきたからでした。ヴァイオリニストさんからスコアとCDを借りたんですが、素晴らしい曲と録音!スバらしい、こういう曲を弾かせてもらえるなんて感激だよ~ん…けっきょく自分でCDを買ってしまいました(^^;)。この曲は2楽章で出来ていて、響きはほぼ現代曲、形式はかなり独創的。第1楽章はABACAのロンドと言えそうですが、第2楽章は何と言えばいいんだ…第1主題、第2主題、第1主題の変奏の交換、そこから中間部に入り、終盤で第1楽章の第3主題が出てきて、再現部では1主題の変奏が出てきて…みたいな。もう、主題が変形しながら絡み続ける関係構造だけを書きたくて作ったような独創的な曲です。ただ、構造に興味が行き過ぎていて、音楽自体のダイナミックさがちょっと薄いかな?

 コントラスツは、1938年の作曲。この曲をはじめて聴いた時の感想は、「え?これって本当にバルトークの作品?ガーシュウィンじゃないの?」という感じ。ロマン派の標題音楽か人形劇用の音楽みたいな感じなんですよね。音楽もあんまりシリアスじゃなくて、ユーモアある小曲という感じ。個人的には減5度が鳴りながらも楽しげな舞曲である最終第3楽章の雰囲気が好き(^^)。

 無伴奏ヴァイオリン・ソナタ。バルトーク晩年の1944年作です。メニューインからの委嘱で作られたそうで、アメリカに渡ってからは誰もぜんぜん評価してくれないもんで気落ちしていたバルトークが、メニューインの委嘱に喜んだあまり、ヴァイオリン独奏だというのに4楽章で演奏に25分以上もかかる曲を書いてしまったのだとか(^^)。
 この曲、最初聴いた時には戸惑いましたが、何度も聴いてるうちにじわじわ来ました。ああ、これはバッハの無伴奏ヴァイオリン・ソナタを前提にして書かれてるんだな。第1楽章の表記がいきなり「Tempo di ciaccona」(シャコンヌのテンポで)で、最初の音型がまったくあれですからね(^^)。そして2楽章はフーガ、3楽章と4楽章は特に表記はありませんがソナタとロンドと見ていいと思います。これでバッハの無伴奏ヴァイオリン・ソナタと無関係のわけがないっす。
 そして何度も聴きこんでいるうちに、2楽章のフーガで、ある事に気づいて戦慄。なんだこれ、ヴァイオリン1本で4声のフーガを作ってるじゃねえか!僕が作曲家に驚くことのひとつって頭の良さなんですが、この曲の場合、最大でダブルストップぐらいまでしか使えないヴァイオリンで、タイミングをずらしたり音域を変えたりという事を駆使してこんな事をやってしまう頭脳っていったい何なんだと思ってしまいます。無伴奏ヴァイオリン・ソナタって、バッハ以外だと、僕が知ってる範囲ではヒンデミットとパガニーニとバルトークぐらいしか思いつきませんが、つまりほとんどの作曲家が書かないんですよね。理由は恐らく、古典派以降のクラシックはホモフォニーの時代で、このクラシックど真ん中の時代の作曲家は、ルネサンス時代やバロック期のフーガのようなポリフォニーの技法を使えないから、対位法時代の作曲家が持っていた無伴奏ヴァイオリン・ソナタを書く技術を持ってないという事なんじゃないかと。バルトークは弦楽四重奏曲でも、弦チェレの1楽章でも、恐ろしく精緻なポリフォニーを使いこなしていますが、まるで数学者のような精緻なスコアを作り上げてしまうという意味で、古典派以降でいちばん数学的な頭のよかった人なんじゃないかと思っています。
 そしてこの無伴奏ヴァイオリンの演奏は、ハンスハインツ・シュネーベルガー。もう70歳近いおじいちゃんになっていた頃と思うんですが、メッチャうまい。なんでこんなのノーミスで演奏できるんだ…。1920年代生まれのヴァイオリニストやピアニストって、爆発力はともかく、ミスが極端に少なく正確無比という印象です。そうそう、シュネーベルガーはバルトークのヴァイオリン協奏曲第1番の初演ヴァイオリニスト、僕がムチャクチャ好きなマルタンのヴァイオリン協奏曲の初演もこの人です。伝説のひとりですね(^^)。。

 というわけで、僕的にはヴァイオリン・ソナタ第2番と無伴奏ヴァイオリン・ソナタの2曲を聴くためのCDなのでした。このCD、音がメチャクチャいいです。音楽にとって、音って重要だよなあと再認識(^^)。


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『バルトーク:弦楽四重奏曲 第5番、第6番 アルバン・ベルク・カルテット』

Bartok_StringQ_5-6_AlbanBergQ.jpg バルトークの弦カルのCDをバラで集めた若い頃の僕は、この5~6番だけなかなか聴けなかったんです。中古盤で見つからなくて(^^;)>。結局、この5~6番はアルバン・ベルク・カルテットじゃなくてケラー・カルテットの全曲入りCDで先に聴き、その音のあまりの細さに「うわ、これはダメだ」となり(演奏じゃなく録音?)、次々に他の弦カルの演奏も聴いたけどみんなダメ。最後にようやくアルバン・ベルク・カルテットのCDを手に入れた時に、「うわあ、全然いいわ。演奏や録音って本当に大事だなあ、同じ曲なのにここまで違って聴こえるんだから」と思って、他の弦カルのバルトーク弦楽四重奏曲を全部売ったのでした(^^)。馬鹿テク全盛となった今なら、いい演奏でいい録音のレコードも色々あるのかも知れません。

 第5番は1934年の作曲で、無調で難解と言っても良さそうな3~4番と比べると、調や新古典的な作風を感じます。世紀の傑作「弦楽器・打楽器・チェレスタのための音楽」が1936年なので、いちばんバルトークのパブリック・イメージに近い弦カル曲かも。たしかに楽式的には「古典」的で、1楽章はソナタ、2楽章は3部形式、、3楽章はスケルツォ、最終5楽章はほぼロンド。でも、和声や旋法がハイドンモーツァルトのころとは比較にならないほど豊かで多様で、全音階を使ったり、色々やってます。ある時期は、僕はこの5番がすごく好きだったんですが、いま聴くと、全体としてはこの古典主義な構造が安定しすぎて面白みに欠けると感じたのは意外。あんなに好きだったのに、こういう事を感じるようになったりするんだな。。

 第6番は1939年の作。これがけっこう重要な意味を持っていて、要するに第2次世界大戦まっただ中、ヨーロッパ全土がナチに蹂躙されまくっていた時期です。この時バルトークはまだアメリカに亡命してないですが、悲壮感を持っていたのは確かじゃないかと。狙ったものであったかどうかは分かりませんが、それが曲想に出たかのようなもの悲しさでした。第1楽章の冒頭、無伴奏でヴィオラによる悲しげなメロディが提示されますが、これが4楽章すべてにあらわれます。あくまで僕の感想なんですが、バルトークの他の弦楽四重奏曲は構造とサウンドを同時に聴いている自分がいるんですが、この曲だけは「ドイツの世紀末音楽みたいだな」と、印象と意味を聴いてしまいます。つまり、純音楽ではなく、標題音楽かロマン派音楽のように聴いてしまうんですよね。。戦時下で殺される側にいる人の心情というか、そういうものを感じてしまうというか。

 バルトークは時代によって作風が変わっていった人ですが、6曲の弦楽四重奏曲は創作期間が1908年(バルトーク27歳)から1939年(58歳)と長期にわたっているので、バルトークの作風の変化が分かる貴重さも持った6曲です。この輝かしい6曲は、近現代の音楽を代表する大名曲のひとつ、そして多くの作曲家がトライし続けた難易度マックスの編成である弦楽四重奏曲のトップクラスに位置する大名曲だと確信しています!


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『バルトーク:弦楽四重奏曲 第3番、第4番 アルバン・ベルク・カルテット』

Bartok_StringQ_3-4_AlbanBergQ.jpg バルトークの弦楽四重奏曲、続いては3番と4番です!僕のバルトーク初体験はこの2曲。音大の授業でいくつかの楽章を聴いたんですが、あまりの凄さに戦慄。まだ楽式の勉強すらまともにしてない頃だったので、何となくのニュアンスで判断しただけでしたが、それでも背筋にゾクゾク来たのを覚えています。若い頃、自分の音楽観を一撃で変えられた驚異の音楽でした。

 第3番は1927年作曲。3楽章ですが切れ目なく演奏されます。3番は4番のひな形みたいな所があって、演奏時間は全楽章合わせて15分ほど、6曲の中で一番短いです。でも構造面での意識が前衛に向かっていて、そのひりつく感じの響きや、対位法的な処理の緻密さは、「ああ…」とため息が出るものがありました。ちょっと抽象的な言い方になってしまいましたが、もう少し具体的に言うと…たとえば1楽章冒頭。バルトークはチェロ、ヴィオラ、第2ヴァイオリンと低い音域の楽器から順に音を積み上げていき、これを持続音として鳴らします。その音は、C#,D,E,D# の4音。展開してオクターヴ以上離しているとはいえ、密集した和声帯です。この和声提示の上で第1ヴァイオリンがメロディを演奏しますが、その音はA#,B#(C),A,G,A#,G#,B,,E#(F),F##(G),A#までが上行…持続音と同じ音はひとつもなく、逆に和声に含まれない音はすべて演奏されます。要するに、無調音楽としての12音列技法と、和声の色彩拡張という意味での印象派の両方が半音階でアウフヘーベンしてるんじゃないかと。ああ、もう既存の技法の中でヴァリエーションや可能性を追うという段階を抜けたんだな。歴史に残る作曲家って、いい曲を書いたかどうかなんて当然で、その先の作曲とは何かというところに踏み込んで、その両方を成立する形を示した人たちの事なんだな…なんて思ってしまいました。
 これはすごい…と思いきや、切れ間なく続く2楽章が一転してダイアトニックな音楽でリズミカル。聴いていて混乱させられてしまいました(^^;)。さらに、次の第4番がさらにすごいので、あとから聴くとこの3番が4番を用意する踏み台に聴こえたのかも(^^;)。

 第4番は、3番の翌1928年作曲。5楽章で出来ていて、3楽章を中心とした対照的な構造を作っています。バルトークってこの形をたまに使うんですが、シンメトリックなものも好きな僕はこの形式、メッチャ好きです(^^)。ただ、この5楽章がアーチ系になってることを聴き分けるには、多少の音楽能力が必要かも。だって、1楽章に使われたなかなか覚えにくい主題が、15分後ぐらいの5楽章に変形して出てくるのを聴き分けられないといけないのでね( ̄ー ̄)。
 中心に位置する第3楽章はノン・トロッポ・レントの緩徐楽章。緩徐楽章と言ってもテンポがゆったりというだけで、温かみあるわけでなく、とっても不思議な響き。というのも、これも第3番の1楽章と同じで、和声構成音と、旋律を奏でるチェロで共通音を持たないようになってました。当時の無調って、調をなくしたいわけでなくて響きを拡張したいという要請から来てるんじゃないかと思う時がありますが、その組み合わせからこれだけ色んな響きが生み出せたのは、西洋音楽の大きな進歩だったんじゃないかと。3楽章を挟み込む2楽章と4楽章は急速調で、2楽章はすべてコン・ソルディーノ(弱音器をつけての演奏)、4楽章はピチカートでの演奏。4楽章は2楽章のヴァリエーションと言えるんじゃないかと。1楽章と5楽章も照応関係にあって、主題の変形が使われるんですが、これはけっこう音楽能力の高い人じゃないと聴き分けられないんじゃないかなあ。1楽章はソナタっぽい形をしていて、これが5楽章ではロンド形式。ソナタと言っても主題部、展開部、再現部というのがソナタというだけで、各声部の関係構造は相当に独特、第1ヴァイオリンと第2ヴァイオリンは斜行の関係にあるし。。他にも、何度も聴けばそのたびに色んなものが見えてくるんじゃないかと思いました…って、感動してもう4回もリピートしてるんですが(^^;)。

 僕は、バルトークの作品では「弦チェレ」と弦楽四重奏曲のふたつが特に好きなんですが、弦カル曲の中ではこの3番と4番が一番好きです。弦楽四重奏曲第3番あたりからしばらくのバルトークの音楽の凄さは、言葉では表現しきれないです。3番は2番から約10年空いてますが、2番と3番の間にバルトークは作曲をやめていた時期がありまして、そこで何かがあったんじゃないかと。復活後は、偉大な作曲家の後を追っていい曲を書くとかそういうのではなく、前衛色が強いです。無調的、半音階的、絶対音楽的、そして声部の有機関係がルネサンス音楽なみに精緻。バルトークの弦楽四重奏曲の3番と4番は、クラシックファンなら聴いていない人なんかいないというほどの大傑作ですが、それ以外の音楽のファンの人も、音楽が好きならこれを聴かないなんてもったいなさすぎるというほどの傑作と思います!


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プロフィール

Bach Bach

Author:Bach Bach
神戸住まい、奥さんとネコと暮らす音楽好きです。音大は卒業したのですが、成績はトホホ状態でした(*゚ー゚)

ずっとつきあってきたCDやビデオの備忘録をつけようと思い、ブログをはじめてみました。趣味で書いている程度ですが、いい音楽、いい映画、いい本などを探している方の参考にでもなれば、大変嬉しく思います(ノ^-^)ノ

最近気になってるCDとか本とか映画とか
intoxicateに載っていた1枚。「Vyacheslav Artyomov」、ロシアの作曲家は名前が読めなくってムズカシイ。。「ヴャチェスラーフ・アルチョーモフ」と読むらしいです。伝説の「フレンニコフの7人」のひとりとの事ですが、それって何かすら僕は知らず(^^;)。作風的には初期は新古典的、後に民族的な様式、十二音技法や、複調性、ミニマルなんかも用いたみたい。ロシアの前衛は強烈なものが多いので、聴いてみたいです。アマゾンで買おうと思ったらダウンロード版しかなかった(;_;)。 オスマン時代から現代までのトルコ音楽のガイド本みたいです。おおお~、これは絶対に読もう!!
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