『ハイドン：弦楽四重奏曲《十字架上の７つの言葉》 ボロディン四重奏団』

　ひとつ前の記事で書いたハイドンの弦カル76～78番は「エルデーディ四重奏曲」なんて呼ばれる６曲セットの弦楽四重奏曲の一部ですが、この「十字架上の７つの言葉」は、ハイドン弦楽四重奏の50番で、弦楽四重奏曲の革命作「ロシア四重奏曲」と、傑作「エルデーディ四重奏曲」のちょうど中間。僕はこの管弦楽版を聴いた事があるんですが（でも内容を全然覚えてない^^;）、エルデーディ四重奏曲に感動した勢いに乗って弦カル版も聴いてみよう、そうしよう。

　ハイドンの「十字架上の7つの言葉」には、他にオラトリオ版もあるんですね。すべてハイドン自身の編曲なので、本人も気に入っていた曲なんじゃないかと。そして聴いてみたところ…弦楽四重奏では異例の７楽章制（実際には最後に「地震」という楽章があって８つ）、終曲を除いて他は全部ソナタ、テンポはラルゴ、グラーヴェ、グラーヴェ、ラルゴ…遅い曲ばっかりでした。宗教曲だからこういう異例づくめの事になったのかな？また、管弦楽曲のアレンジものだからか、ピアノ三重奏曲26番や弦カル76番みたいな絶妙なアンサンブルでもありませんでした。
　アンサンブルついでに演奏について書くと、ロシアのボロディン四重奏団の演奏は、かみしめるようにゆったり。歌うというより、鋭くビシッと合わせる感じ。そのビシッと言う感触は、録音にも理由があるのかも。実音が強くて、かつスタジオ録音なのか、残響がデジタルリヴァーブ(^^;)。う～んこれはクラシック録音としてどうなのか…93年録音か、たしかにあの頃こういう録音多かったなあ。綺麗な音といえばそうなのかも知れないけど、クラシックもポップスにつられるように、ライブと録音が別ものになりはじめていた頃です。

　というわけで、純音楽という側面はかなり後退していて、十字架上でキリストが言ったと伝えられる7つの言葉と音楽の関係が重要なんじゃないかと思いました。というのは、この曲から音だけを取り出して楽しもうとすると、すべてが遅い曲で、しかもマイナー調にして緊張感を出すという事も、楽式を多彩にして聴衆をひきつけるという事もしていないので、だれて聴こえてしまったんです。でもそういう聴き方自体が間違っていて、本当は、7つの言葉のひとつ目「父よ、彼らをお赦しください。彼らは、何をしているのか自分でわからないのです」（うちにある新約聖書刊行会の「新約聖書」のルカ伝23章）という言葉をかみしめながらソナタⅠを聴く、みたいに作られた音楽だと思うんです。だからきっと十字架上の７つの言葉が分かっているキリスト教圏の人には、まったく違って聞こえるんでしょうね。キリスト教のニュアンスが分からない僕には、文化の壁を感じた音楽でした(^^;)。もう少しキリスト教のテキストを理解出来てから再チャレンジしたい音楽でしたが、そんな日は来ない気がします。人生って短いなあ。。

『ハイドン：弦楽四重奏曲 76番《五度》、77番《皇帝》、78番《日の出》 アルバン・ベルク四重奏団』

　ハイドンのピアノ三重奏曲に続いて、伝説の弦楽四重奏曲に挑戦！いや～ハイドンの室内楽がこんなに良いなんて知りませんでした。なんで今まで知らなかったんだろう、食わず嫌いや自分の好き嫌いだけで音楽を簡単に片付けちゃうから損をしちゃうんだな。分からない時も「どこか自分に理解できてないところがあるんだろう」ぐらいの謙虚な気持ちがないと、いつまでたっても狭い自分の檻の外には出られないと痛感。自分の好き嫌いなんて、単に自分が分かってないだけの事が多いんでしょうし(^^;)。

　ハイドンは弦楽四重奏曲を83曲（！）書いてますが、そのうちの75～80番の6曲はエルデーディ四重奏曲と呼ばれて、傑作の呼び声高いそうですが、いやあこんなに見事な構造美を持つ作品だったとは。。常に何かと何かが関係づけられているドイツ音楽の横のつながりの見事さを体験させられました。ハイドンの交響曲や弦楽四重奏曲って、この後モーツァルト～ベートーヴェンと続くソナタ形式の基礎を確立したなんて言われてますが、なるほどです。ソナタって始まって終わるという音楽の形を、もっとも美しいフォルムとして表現できる形式なのかも知れませんね。展開して再現部を作るという大きな構造は、人間があとづけしたものじゃなくって、始まりがあって終わりがあるという人間の根本的な欲求にも合ってれば、再現部や変形が出る事でそれ以前のとの形式的なつながりに強いつながりを持たせられるという感じなのかも。

　音楽って言葉に似てる所があって、ある所から先の音楽になると、音楽という言葉が分からないと理解できないんでしょうね。4～5分で何度も同じフレーズを繰り返す単純なロックやポップスだったらそんなのは知らなくても楽しめるけど、もう少し複雑で高度なものになると、聴くだけでもけっこう知的な作業。ラテン文学の素晴らしさに触たければ最初にスペイン語を勉強しないといけないように、音楽もある程度以上のものを聴こうと思ったら、多少は音楽という言語の勉強をしないと理解が難しい…みたいな。僕の場合、それが少し分かった気がした先からが本当の喜びの始まりでした。「ああ、これが本当の音楽だな」みたいな。21世紀にハイドンを聴いて、印象だけ聴いていいと思うなんて事はまずないと思うんですが、構造を追う事さえ出来ればそれは相当に素晴らしいものと感じるんだなあ…と。でも、それって、ソナタやロンドといった楽式を知ってなかっら厳しかった気がします。

　ハイドンの弦楽四重奏、いいと言ってもベートーヴェンの後期四重奏曲には届かないだろうと思ってましたが、そういう問題ではありませんでした(^^)。僕はウィーン古典派の貴族趣味な舞踏会か会食会のBGMみたいな雰囲気は今でも苦手ですが、ハイドンのピアノ三重奏曲や弦楽四重奏曲は、そんな所よりも古典派言語で編まれた構造の見事さに舌を巻きました。それに、ここが分からないと、ロマン派はともかく新古典派や現代曲の理解なんてとうてい無理ですしね。ソナタ形式という音楽言語を分かりやすく理解させてくれて、素晴らしい西洋音楽の世界の入り口になってくれそうでもある見事な作品と感じました。これはおすすめです！

『ハイドン：ピアノ三重奏曲 第12, 26, 28, 30番 シフ(p)、塩川悠子(vn)、ペルガメンシコフ(vcl)』

　ハイドンの交響曲に何度も挫折した僕ですが、縁あってこんなＣＤが家に舞い込んできました。さて、室内楽はどうか…おお、最近モーツァルトばかり聴いていたからか、メッチャいい！いや～40代後半になって初めてハイドンを良いと思いました(^^)。。

　ハイドンは18世紀から19世紀初頭に活躍した人で、時代はチェンバロからピアノへの過渡期です。ハイドンのピアノ三重奏曲は、11番まではチェンバロを意識して書いていたけど、12番からはピアノを意識したそうで、このＣＤもチェンバロでなくピアノで演奏しています。ピアノ３重奏曲は、ピアノ、ヴァイオリン、チェロの三重奏の事ですが、ハイドンの頃はこの三者が対等というわけではなく、ピアノがメインで、他のふたりはピアノに対メロを当てたり、追奏したり、バスを補強したりという感じ。しかしそれでもヴァイオリンとチェロが抜けたり入ったりしながらの三者のアンサンブルが実に見事！ついでに、主役がピアノから動かないので、複雑に絡んでいる割には構造が分かりやすいです。このＣＤに入ってる曲はほとんどが３楽章形式でした。

　12番ホ短調、これはどの楽章も素晴らしい！１楽章の１主題こそ古典派の短調曲というムードですが、全体は長調的。２楽章は緩徐楽章でアンダンテのワルツ。３楽章のロンドは、最高にワクワクする感じです。全体として古典派の曲想ガチガチですが、しかしアンサンブルが見事で聞き惚れてしまいました。この１２番が素晴らしくって３回も４回も聴いてしまい、先に進めません(^^;).

　26番嬰へ短調、第１楽章の主題が美しい、いいメロディだなあ。そしてこれは変奏曲。僕が持っている楽譜だと、主題２回、変奏２回演奏するのですが、このＣＤは主題２回変奏１回の演奏です。たしかにこの方がまとまりがいいかも。２楽章は12番と同じように緩徐楽章、これも効果抜群です、うっとりしてしまう(^^)。３楽章はモチーフをひたすら使い倒す感じ…なのかな？アナリーゼ出来ませんでした、今度ちゃんとアナリーゼしてみよう(^ㇿ^;)。

　28番ホ長調、このへんまで来るとけっこう色彩感というか、構造だけではないところにも意識が向き始めたのかな？って感じがしました。第３楽章は拡大ロンドかな？

　演奏は文句なしです！いや～３者のアンサンブルのシンクロ率がヤバいです、クールすぎずエスプレッシーヴォすぎず、絶妙の品格という感じ。そして、さすがにシフは良いですねえ。元々はシフを信頼していたからこのＣDを聴いたんですけどね。

　録音は…なんというんでしょうか、すごく残響が多く録音されてるんですが、これだけワンワン鳴ったらそれだけで邪魔でうるさいと感じそうなもんですが、そういう事がなくて、むしろものすごく心地よく感じます。このＣＤの裏に、「This recording was made using B & W Loudspeakers」なんて書いてありました。僕はB&Wのスピーカーを持ってないので制作者の意図通りの音で聴く事は出来ませんが、要するに「ちゃんといいスピーカーで聴いてね、ヘッドフォンやチャチなスピーカーで聴いても意味ないよ、そういうレコーディングじゃないから」という事なんじゃないかと。いやあ、プロの録音の世界ってすごいです。
　というわけで、緻密なアンサンブル、それでいて耳に難しく感じる事がなく優雅とすら感じてしまう凄さ。素晴らしい音楽と演奏、録音でした！個人的には12番と26番が好きかな？いや～ハイドンは交響曲作曲家と勝手に思い込んでましたが、室内楽曲がこれほどいいとは思いませんでした。このＣDを聴いてなかったら知らないまま死んじゃうところでした、あぶなかった。。

『ラモー：歌劇《イポリトとアリシ》より管弦楽組曲 クイケン指揮、ラ・プティット・バンド』

　フレンチ・バロックの大家ラモー、現在から見るとどうしても作曲技法面での評価が強くなるのか、僕は音大でチェンバロ曲を推奨されました。実際にラモーは音楽の理論書を書くぐらいの学究肌でもあったみたいですしね。でもラモー本人が夢中で書いたのはオペラだったそうです。このへんは、バロックというヨーロッパの文化様相を知らないと、本当には理解できない所かも知れません。音楽だけでなく美術や建築も含めたバロックの本、一度読んでみたいなあ。というわけで、オペラがらみのラモーの作品を聴いてみたいと思っていたところで出会ったのがこのＣＤでした。とはいっても、オペラ用に書いた曲を編曲して作った組曲なんですけどね(^^;)。

　オルガン奏者、理論家として各地を転々として生きていたラモーが、初めてオペラを書いたのが50歳の時、パリでのことだったそうです。以降は終生オペラを書き続けたそうですが、そんなラモーのオペラ処女作が『イポリトとアリシ』。ギリシャ神話に題材を取ったものです。そういえば、ウルトラマンＡにヒッポリト星人というのが出てきましたが、イポリトのスペルが「Hippolyte」なんですよね。このオペラの中で、イポリトは妃と不倫をしてネプチューンの怒りを買い、怪物に殺されます。ヒッポリトめ、やはりろくでなしだったか。。

　ガヴォット、メヌエット、行進曲、リトルネッロ、シャコンヌなどなど、色んなスタイルの音楽が出てくる音楽でした。印象だけで言うと、曲ごとにキャラクターは違うのに、どれも優雅に感じる事。あーこれは貴族向けに作られたオペラなのかも知れません。
　そんな中、個人的に面白いと思ったのは、大衆の音楽から拾ったと思えたものと、宗教音楽っぽいもの。第３幕のメヌエットやタンブランはピッコロで楽しげに奏でられていましたが、こういうのって当時のフランスの大衆音楽あるいはトルヴェールの音楽がこうだったんじゃないかと思ったりして、聴いていて楽しかったです。
　あと、宗教音楽っぽいものは、優雅さの中にも静謐なものがあってすごく好き。第５幕のサンフォニーとか、いいなあ。
　バロックきっての理論家らしい面を感じたところもありました。いくつかあったカノンはさすがは一流！カノンって、いざ書いてみると３声ぐらいが限界で、かなりゴシャゴシャになっちゃうんですよね(^^;)。それがこれだけ整除して書けてしまうというのは、ルネサンスからバロックにかけての作曲家ってメチャクチャ頭が良かったんだろうな、と思ってしまいます。

　というわけで、恐らくこのオペラや音楽の肝になっていない所ばかりに耳が行ってしまった僕でした(^^;)>。それって、僕が宮廷よりの貴族文化なフランス音楽があまり好きじゃないんでしょうね。というわけで、完璧な音楽だとは思いましたが、21世紀の東アジアに住んでいる庶民の僕には、雰囲気は楽しめても、深い所では同調できない音楽かも。あ、でも、本当にすごい完成度の音楽でした。

『ラモー：クラヴサン曲集 ケネス・ギルバート』

　僕が中学生ぐらいの頃までは、小さな駅にも本屋やレコード屋がありました。そんな小さなレコード屋で置いてあるバロック音楽はアーカイヴというレーベルのものが多かったです。バッハの「マタイ受難曲」や「ヨハネ受難曲」もアーカイヴのものでした。
　このフランス・バロックの超重要作曲家ラモーのチェンバロ作品集も、アーカイヴがリリースした１枚です。後年、ラモーはオペラ作曲に夢中になりますが、作曲家としてのラモーの重要作はチェンバロ曲だと音大で習いました。これは、そんなラモーのチェンバロ曲を集めたＣＤ。チェンバリストのケネス・ギルバートはフランス・バロックのスペシャリストとして有名な人です。

　これはすばらしい！同じフランス・バロックでも軽妙なクープランとは大違い、まるで大バッハのように宗教的な神々しさ漂う重厚な音楽でした。そして、構造がかなりしっかりしているというか、かなり音数の多い曲でもすごくスッキリ。良し悪しではなく構造的な着想に従って機械的に作曲しているのかも知れません。僕は作曲する時に、どうしても色々いじって収拾がつかなくなっちゃったりするんですが、これぐらいメカニカルに作曲した方が案外うまく行くのかも。。

　ほとんどが素晴らしいと感じたというのが正直なところですが、中でも気に入った曲はバッハ以上の暗さと神々しさの漂うクラヴサン曲集第１集の「前奏曲」、照応しながら進んでいくクラヴサン曲集の第５曲「鳥の呼び戻し」。気に入った演奏は、クラヴサン曲集18曲の「一眼巨人たち」が超絶！

　ラモーは作曲家としてだけでなく、理論家としても後世に名を残していて、機能和声音楽を最初に理論化したのもラモーだったそうです…すげえ、という事は西洋音楽に影響を受けた文化圏の音楽家はみな、この300年ぐらいラモーの生徒みたいなもんですね。。
　そうそう、このＣＤは曲も演奏も録音も完ぺきで素晴らしかったんですが、抜粋なんですよね。。今はこの1976年録音のギルバート演奏の全曲盤がNAXOSから出てるみたいなので、興味ある方はそちらを買った方がいいんじゃないかと。